《圆舞曲》

早在1906年，拉威尔就想要写一首乐曲为维也纳的圆舞曲增添光彩。十三年后，即第一次世界大战以后，拉威尔又捡起了这个想法。这个舞蹈最初是要表达他在生活中的快乐，但现在回到他脑海中的却是“死的舞蹈”。著名的俄国芭蕾舞团经理谢尔盖·迪阿吉列夫是外部的推动力，他要求拉威尔为他的舞蹈团写一首乐曲。作品完成于1920年。

拉威尔在总谱里作了注释，解释了他关于这个芭蕾舞的想法：这是大约在1855年，皇宫里的一个场面，“透过翻滚的云层，我们瞥见一对对跳华尔兹舞的人们。云层渐渐升高，露出了挤满舞蹈者的大厅。舞台渐渐被照亮了，枝形吊灯突然大放光彩。”这个注释是值得注意的，拉威尔把音响的高涨与光线的增强紧密结合起来，使他的配器带上了图画的特性。

在《圆舞曲》中，一些全不相同的因素以熟练的技巧编织在一起。维也纳的精神在开始时是和印象派的朦胧色彩结合在一起的，结束时则与浪漫主义之后的乐队那令人眼花缭乱的音响结合在一起。在这里，约翰·施特劳斯绚丽的圆舞曲成了一种象征，好像是一个将死亡的世界沉溺在最后的舞蹈。由此，产生了情感的二重性，这种又苦又甜的性质是拉威尔特有的。像《包莱罗舞曲》一样，《圆舞曲》是研究乐队渐强的对象，而《圆舞曲》中的渐强有更多的随想性，也更为精致。

乐曲以很轻的弦乐震音开始。在印象派雾蒙蒙的音响中流出微弱的旋律，我们似乎就要听见圆舞曲的音调了，它隐约着，却迟迟没有出现。耳朵能分辨出的只有拉威尔的速度：Mouvement de Valse viennoise(维也纳圆舞曲的速度)。终于，大管和中提琴奏出了一个旋律。

继而，是小提琴和中提琴奏出的温柔曲调。

这时，弱音器一个一个地去掉了。音乐中开始展开了一个又一个诱人的圆舞曲曲调，一会儿达到高潮，一会儿又回到与开始时一样很弱的音响。拉威尔有节制地使用他的手段，直到近乎疯狂的高潮，他才把当时的乐队所能做到的全部尖锐的不谐和释放出来。正是在这疯狂的最后结尾中，他那诱人的“圆舞曲的顶点”成了恐怖的和毁灭性的舞蹈。fff力度的尖锐不谐和几乎超越了录音所能承受的界限。在渐强和渐快的支持下，不谐和的程度急剧增长，使作品在令人震惊的气氛中结束。

德彪西和拉威尔展现了理想的美的音响，这是民族的情感和精神的具体体现。他们敞开了通向二十世纪的大门。